Poesia concreta - Intervenções urbanas

A arte está perdida? Hoje em dia, não sabemos mais o que é arte ou não. E entre aquelas que são, existe sempre o questionamento: é ou não é arte? É difícil corresponder às exigências da sociedade. É difícil surpreender alguém, e, mais ainda, fazer algo diferente e inovador. A cidade nos engole, nos consome. Felizmente vemos uma nova geração vindo com alto estilo. Os novos artistas se aproveitam dessa confusão da cidade e em vez de se deixarem engolir por ela, mudam seu contexto com desenhos, intervenções, e até confusões. Muros, faixas de pedestre, pontes, edifícios, construções... Tudo se torna tela. Entre eles, existe um respeito combinado, não se desenha em cima do desenho do outro. Entretanto esta é uma arte rápida e efêmera.  Você pinta hoje e uma semana depois pode não ver mais seu trabalho. Entretanto, essa uma semana já é o suficiente para causar mudanças filosóficas, sociais e comportamentais na sociedade.

Mensagens são passadas através dessa arte, reflexões acerca da vida, e um estilo, uma mensagem visual que comove a todos nós. Foi encontrada uma ótima maneira de se protestar e se fazer ouvir em meio a tantos barulhos. São Paulo é uma cidade que tem muitas dessas mentes que visam mudar a sociedade através de sua pintura. Na cidade de bauru, a quantidade de novos artistas é incrível. Todos querem trabalhar com a comunicação visual. Matheus Marques é um deles, espalha seu apelido "fino" por toda a cidade. Usa sua tag, que é a assinatura do grafiteiro para o reconhecimento do seu trabalho, como uma etiqueta, para marcar o território e expressar suas mensagens. Fica claro que ele usa a cidade em vez de se deixar ser usado por ela. Ao conhecê-lo mais de perto fica nítida a maneira como a arte toma a vida e a mente desse rapaz. Tudo se transforma em sua cabeça. A capacidade de criação e transformação é incrível.

Intervenções surpreendentes são marcadas pelo improviso e agilidade, as criações se destacam em meio a tantos outros rabiscos perdidos. Tudo se torna material artístico na mão de quem sabe viver de acordo com a famosa frase.. "Na natureza nada se perde, nada se cria, tudo se transforma." 


(por Amanda Martins)

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Londrina expõe a arte da liberdade

A cidade de Londrina teve o privilégio de desfrutar um pouco da liberdade da arte contemporânea. Entre os dias 3 a 20 de outubro, artistas de todo o Brasil reuniram as suas obras no Salão de Arte Contemporânea de Londrina. O local escolhido para abrigar a mostra, foi o Museu de Arte da cidade.

Arte conhecida por proporcionar liberdade e vários recursos materiais aos artistas, foi exposta em Londrina, por meio do 1° Prêmio Londrina de Arte Contemporânea, em que, das 87 obras inscritas, 26 foram selecionadas a serem apresentadas. Pinturas, fotografias, instalações, desenhos e vídeoarte, foram protagonistas do Salão de Arte, que trouxe um recorte especial da arte contemporânea no Brasil.

Com a criação deste Prêmio em na cidade, segundo o coordenador do Prêmio Londrina, Marcos Costa, a organização buscou proporcionar aos artistas a oportunidade de apresentarem suas obras e ao público, de estabelecer contato com a arte contemporânea. “De caráter formativo, o evento busca multiplicar esse público na cidade”, afirmou.

Através do tema proposto, “A Arte em Defesa da Terra: Urgente”, os artistas ergueram um alerta para a preservação ambiental, promovendo assim, uma reflexão sobre a vida por meio da arte. “Falar e pensar em arte contemporânea é, acima de tudo, propor uma análise crítica que interroga e que atribui novos significados e novos conceitos em arte”, enfatiza Costa.

Vencedores do 1° Prêmio Londrina de Arte Contemporânea

Autorretrato com pombo

Entre as 26 obras selecionas, três foram premiadas. Em primeiro lugar ficou o vídeo “Tempestade”, trabalho de Bárbara de Azevedo, de São Paulo; a obra selecionada para o segundo lugar foi a “Quatro experiências” - cadernos de desenho do artista, do londrinense Márcio Diegues; já em terceiro foi escolhida a fotomontagem digital impressa em adesivo autocolante, com o tema “Autorretrato com pombo”, do também londrinense, Peterson Dias.

Os prêmios são os seguintes: R$ 5.000,00 para o primeiro colocado, R$ 2.000,00 para o segundo e o terceiro lugar ficou com R$ 1.000,00. A relação dos finalistas está no site www.artecontemporanealondrina.art.br.    

A comissão julgadora concedeu, ainda, menções honrosas a dois artistas de Goiânia, no estado de Goiás: Rava Monique, que inscreveu trabalhos de duas séries em bordados sobre sacolas de plástico e Glayson Arcanjo, que apresentou fotografias com desenhos em demolições.

Link para mais informações: http://artecontemporanealondrina.art.br/

(por Mayara Teles)

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A dor é fotogênica - Um olhar sobre as fotografias de Sérgio Ranalli

foto de Sérgio Ranalli

Quando se fala de fotografia, uma das primeiras coisas que vêm em mente é o conceito de instante decisivo, criado pelo fotógrafo francês Henri Cartier-Bresson. Nas palavras dele: “Dentro do movimento existe um instante no qual todos os elementos que se movem ficam em equilíbrio. A fotografia deve intervir neste instante, tornando o equilíbrio imóvel.” Walter Benjamin também fala sobre: “mesmo na reprodução mais perfeita falta uma coisa: o aqui e o agora da obra de arte”. Nesse caso, a fotografia é a obra de arte, pois é singularizada pelo momento. Esse conceito pode ser comparado e somado à arte de recortar as mais diversas cenas e dar a certo momento um gosto de eternidade. Sérgio Ranalli, fotógrafo e editor da Folha de Londrina, viajou por vários lugares, incluindo Haiti, antes e depois do terremoto, Amazonas e Antártica e é um exemplo disso tudo e de que mais do que uma câmera na mão o fotógrafo precisa ter tesouras no olhar. “Fotografar é igual a ter uma tesoura nas mãos, você escolhe que parte da realidade vai recortar”, diz ele. Ranalli foi influenciado principalmente por Sebastião Salgado e o próprio Cartier-Bresson.

Diante de todo o relato mostrado por várias fotografias tiradas por Ranalli em suas viagens, chega-se a uma triste conclusão: a dor é fotogênica. Pode parecer contraditório e até um pouco frio, mas pelo contrário, a dor é fotogênica no sentido cru da palavra: fica bem representada pela fotografia. Entre tantas coisas belas do mundo, fotógrafos como Sérgio Ranalli, Sebastião Salgado, Henri Cartier-Bresson e Robert Capa optaram por mostrar o feio. E o feio por trás das lentes de tantas câmeras pode esconder uma beleza quase que aterrorizante. Susan Sontag diz que “mesmo que sejam apenas símbolos e não possam, de forma alguma, abarcar a maior parte da realidade a que se referem, elas ainda exercem uma função essencial.”

É uma realidade dolorida, porém, é uma realidade. Incomoda. Arde. Desconforta ao mesmo tempo em que nos faz agradecer a nossa condição e devanear. São retratos do cartão de visita do lado obscuro da vida. O outro lado do espelho. Os olhares tristes que esquecemos de ver, o sangue que nunca sentimos o cheiro, a fome que nunca nos atingiu.

Se fosse perguntado para várias pessoas qual a sensação que esse tipo de fotografia desperta nelas, com certeza seriam ouvidas respostas totalmente diferentes. É essência puramente imagética. É a realidade das fotografias misturada com a nossa própria. Paradoxo. Contradição. A imagem como metáfora da dor.

foto de Sérgio Ranalli

Dentro desse quadro o fotógrafo tem um papel decisivo, claramente. É pelos olhos dele que vemos o que os nossos olhares não conseguem captar. Sebastião Salgado disse: “Minhas fotografias são um vetor entre o que acontece no mundo e as pessoas que não têm como presenciar o que acontece. Espero que a pessoa que entrar numa exposição minha não saia a mesma. (....) Espero que tanto como indivíduos, grupos ou uma sociedade, façamos uma pausa para pensar na condição humana na virada do milênio. Na sua forma mais brutal, o individualismo continua sendo uma fórmula para catástrofes. É preciso repensar a forma como coexistimos no mundo.”

A condição humana tem andado por caminhos nada agradáveis, realmente. O papel do jornalista na construção do retrato dessa condição pode ser comparado facilmente ao trabalho de polícia: investigação e mergulho dentro de um caso que envolve nada mais nada menos do que todos os habitantes desse planeta: desde desabrigados, refugiados, esquecidos, até o mais alto escalão da sociedade.

Por trás de tanta dor retratada de forma tão poética e sensível por tantas lentes, ainda sobra a dignidade. E foi essa dignidade que se sobressaiu à dor e ficou marcada na memória de Sérgio Ranalli. A dignidade de existir, mesmo que esquecido. De sorrir, mesmo com mil motivos para fazer exatamente o contrário. De continuar vivendo, mesmo com a realidade a bater no rosto. Por um segundo, nesse instante decisivo tão citado, nesse pequeno átimo, as pessoas retratadas em tantas fotografias puderam levar a quem quer que as vejam – e que se faça a devida diferença entre olhar e ver – o significado cru de um verbo por trás de tantas marcas, o verbo ser. Por poucos segundos puderam dizer com um sorriso e um olhar o que muita gente demora a vida inteira pra se dar conta: Eu sou.


(por Layse Moraes)

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